Moonrise Kingdom de Wes Anderson

         Eeeeeeeeeeeeet c'est parti! 12 jours de coke, luxure et compagnie pour Cannes 2012 ! Alors bon, on aurait tord d'en mettre plein la gueule au Festival (avec un grand F) du 7ème art. Celui qui cette année rend tout même hommage à la fille qui a besoin de mots doux (Poupoupidou ?). Surtout que Nichols, Salles, Dominik, Cronenberg, Hillcoat ou Loach présentent leurs nouveaux films (rien que sa ?). On ira donc pas piétiner sur ce menu hyper croustillant que le festival nous promet cette année. Menu qui nous servait en amuse gueule Moonrise Kingdom, nouveau film de l'enfant de toujours Wes Anderson. Une vieille branche pommé entre ses délires frapadingues de Dora l'exploratrice (Fantastic Mr. Fox) ou ses grands trips océaniques (La Vie Aquatique). En somme un réel personnage bien foutraque.

         D'autant plus que Moonrise Kingdom raconte l'histoire (que l'on pense à coups sûrs autobiographique, ou presque) d'un jeune couple de 13 ans qui se met en tête de vivre une sorte de Ballade Sauvage à la Malick. Sans les meurtres. Hippies au 78ème degrés, Sixties au premier. C'est dans une optique enthousiaste que Wes Anderson décide de propulser son film : immerger un univers de gamin, dans un corps de grand. Immergeant de plein fouet le spectateur dans ce monde potache, aux couleurs vives, aux idées farfelues. Sans réel équivalent cinématographique le film d'Anderson se lance à corps perdu dans cet élan de gentillesse presque puérile. Le monde des télétubies revu et corrigé (et "bim" Popo!)

         Moonrise Kingdom est une hymne à la joie, sans réelle crédibilité, mais d'une sincérité absolue. Pendant une heure trente, trois générations sont exploitées au grand gré d'une d'entre elle (les vieux forcément!). Wes Anderson dresse le portrait d'une Amérique rase motte et lui rend hommage de la plus belle des manières. Tout d'abord sur le plan cinématographique : l'ambiance kitsch est présente des les premières bobines (la police du générique très cul cul la praline) mais c'est surtout dans sa mise en scène qu'Anderson rend quelque part hommage à un mix improbable entre un Dutronc et un spot pour parfum Français des années 60.

         En effet, Anderson se limite au strict minimum pour une animation très picturale : Peu de raccords, sens inné du travelling latéral...Faisant alors germé l'idée que son film n'est autre qu'une immense pièce de théâtre psychédélique. Les gros plans sont rares, preuve (ou pas?) de l'importance que dresse Anderson de l'image de ses deux tourtereaux dont le discours libérateur/de petits chieurs nous emballe par autant sa vivacité que par sa naiveté. Servi sur un plateau d'or par de formidables comédiens (les deux petites marmottes donc, Willis, Tilda Swinton) c'est surtout le génial -charismatique - frapadingue - sous côté - immortel Edward Norton qui emporte la palme du coeur dans un rôle des plus foutraque de sa carrière. Une perle.

        Et puis, l'air de rien, le film s'envole vers des thématiques chères au cinéma des enfants, la fugue certes pour échapper au monde adulte dont ils craignent la bestialité ou la morosité (au choix), le mariage utopique, l'amour des 13 ans, le sexe aussi. Car celui ci, est relativement sous-jacent pendant tout le film. Comme la plupart des thèmes, la découverte de la sexualité est ici passée à la moulinette du troisième degré quitte à être politiquement incorrect pour le plus grand bonheur du spectateur.

        Grand moment d'émotion, Moonrise Kingdom semble appartenir à un certain genre de film intouchable. Trop gentil et vierge dans l'esprit pour déployer  les armes de l'objectivité face à cet élan de bluette sentimentale. Porté par une main de maitre dans un cinéma de topographe (la symétrie bestiale des plans est effarante et ajoute à ce film son côté cul cul la praline), Moonrise Kingdom a ouvert de la meilleure façon ce festival devenu la place proéminente des stars du 7ème art en manque d'affections de la planète. Le film d'Anderson est à l'image du personnage incarné par Ed Norton, incorrigible et tolérable. C'est le temps de l'amour.

        

Bellflower d'Evan Glodell

         Et c'est justement dans cette idée, relativement proche du film de genre que Bellflower expose toutes ses idées : La mélancolie, la fin de l'adolescence, le refus des responsabilités. A la manière d'un Madmax qui lui exploitait la fin des espérances, Bellflower se veux beaucoup plus enthousiaste avant de sombrer dans une seconde partie où la folie finira par régner. Les personnages présents à l'écran sont tous alors brutalement secoués dans le monde adulte, chose qu'ils ne souhaitent pas. Comme si Fight Club et sa critique assassine de la société avait rencontré le Drive de Refn. Ce qui aurait pu passer pour une parabole artificielle sur le début des responsabilités est au final beaucoup plus subtil que ce à quoi l'on pourrait s'attendre.

         Scindant son film en deux parties, Glodell réussit dans un premier temps à imprégner son roman d'une mélancolie relativement personnelle -lui même avouant s'être inspiré de...lui- adoucie par la formidable bande sonore de l'inconnu Jonathan Keevil qui dans toute la splendeur du film indépendant Américain, chante guitare à la main d'une voix décousue, voilée. Magnifique. Dans cette même partie que la mise en scène de Glodell prend du relief. L' Amérique telle que l'on la connait (bonasses aux quatre coins de rue, plastique de rêve, surfeurs ou Macdo ) prend soudainement fin. A l'instar d'un Jeff Nichols dans la magnifique Shootgun Stories sans le côté Malick; une partie de l'Amérique rase motte est dévoilée : Un no man's land ravagé, pleins de soulards sans jobs, et sans aucune conscience. Une génération perdue, qui à force de s'être pris des vagues dans la gueule, s'en remet à la shouille.

          C'est ici que Bellflower touche son but, en sublimant de toutes sortes l'aspect plastique du film -qu'on le veuille ou non !- en réussissant la renaissance de ses caméras foutraques (sables dans la lentille, fibre optique trop courte...). Une mise en scène originale et qui à la manière d'un Refn aurait essayer de se focaliser sur l'esthétisante musique électro-pop pour donner vie à ses séquences parfois bluffante. Submergé par la photographie épileptique du film ( sa rappelle sans aucun doute les Rois du Désert! ) donnant la sensation de chaleur omniprésente, Glodell dans une seconde partie presque parfaitement maitrisé (à deux cheveux près) montre sa vision de l'apocalypse. Comme le désarroi d'un adolescent près à casser la baraque à la suite d'une rupture. Cette apocalypse aura donc lieu dans la tête du protagoniste, l'autre ne verra jamais le jour.

         Enfin, formidablement Glodell -à l'instar de Madmax 2 : The Fury Road- réussi à donner toute puissance à son interceptor, car le personnage central du film n'est autre que la Medusa. Semblable au V8 de Max Rocktansky, elle est le symbole de toute la démesure juvénile du protagoniste qui finira par se servir de ses propres inventions pour mettre fin à tous ceux qui l'ont fait souffrir dans une fin proche du slasher horrifique. Dans une magnifique conclusion, juxtaposant deux fins alternatives, Glodell se permet l'impensable : Avec une comparaison directe au chef d'oeuvre de Miller, une esthétique très publicitaire et une contre plongée dans le désert, de poser un discours nihiliste quoi que trop existentialiste sur la vie du personnage principal. Et même si l'on a tendance à penser que ce nihilisme à la Gavras nous aurait plu tout au long du film.



        Face à tant d'idées, il est impensables de ne pas ressortir troublée par ce que l'on vient de voir. Un film fou, très exactement. Loin des conventions du genre, mais sans jamais s'éloigner pour garder une approche simple, Bellflower semble avoir tous les atouts du premier film : Une sincérité profonde, un "je m'en foutiste" totalement assumé, et un condensé de clin d'oeils. Le genre de film qui ferait passé une amourette de passage pour la femme de notre vie. Fou, on vous l'avait dit.